Come la maggior parte delle polemiche mediatiche, anche quella sul film Il capitale umano di Paolo Virzì si è spenta in pochi giorni, risolvendo poco delle questioni più interessanti che aveva aperto. Perché le recriminazioni localiste e le dichiarazioni di lesa dignità sono giunte da più parti, ma nascono da uno stesso gap culturale, esteso ben al di là della cerchia dei polemisti.

Nella stagione dei cinepanettoni, l’arrivo dell’ultimo film di Virzì nelle sale italiane, dal 9 gennaio 2014, è atteso con grande interesse e annunciato come una novità di sostanza sia nella filmografia del regista sia in quella nazionale. «Volevo sperimentare qualcosa di diverso rispetto alla solita commedia», afferma Virzì, perciò abbandona i lidi sicuri della goliardia toscana, vira verso le arti d’oltreoceano per poi approdare nel nord Italia con un thriller sul mondo della speculazione finanziaria, sulle facili speranze di ascesa sociale, sull’infelicità discreta delle élite. Genere e temi poco frequentati dal nostro cinema e dal regista livornese, che supera lo scarto geografico-culturale con la trasposizione del romanzo omonimo di Stephen Amidon dal Connecticut alla Brianza, una terra altrettanto esotica per Virzì, di una «bellezza inquietante» quanto la storia nera de Il capitale umano.

Il regista avverte: «Non è una condanna moralistica dell’avidità, non chiedetemi il messaggio», ma dopo l’intervista rilasciata a La Repubblica, in cui parla della ricerca di «un paesaggio che mi mettesse in allarme, un paesaggio che mi sembrasse gelido, ostile e minaccioso», trovato tra «i grumi di villette pretenziose» e le «ville sontuose dai cancelli invalicabili» del brianzolo, quel suo unico messaggio non poteva essere più colto.

Il primo a reagire è Andrea Monti, assessore al Turismo della provincia Monza-Brianza, che accusa il regista di mistificare la realtà lombarda probabilmente perché «terra del nemico politico», trascurando che è «una delle aree che più contribuisce a finanziare i bilanci di questo Stato, compreso il Ministero dei Beni Culturali» da cui Virzì ha ricevuto 700 mila euro per la realizzazione del film. Concorda il Presidente della Provincia Dario Allevi, a cui dispiace che i piccoli e medi imprenditori siano ridotti a stereotipi falsi e negativi e che «la gente possa vedere il film e pensare che la Brianza sia davvero un luogo così».

Virzì spiega la metafora dell’immaginario paese di Ornate come terra indefinita del profitto («buffa retromarcia (smentita) paracula» per Monti, appoggiato su Twitter da Formigoni), mentre Luigi Cavadini e Mario Lucini, rispettivamente assessore alla Cultura e sindaco di Como, difendono le generalizzazioni sulla loro città, rappresentata nel film dal Politeama, teatro chiuso e in rovina eletto da Virzì a simbolo del degrado culturale di una città ricchissima.

Dai quotidiani a Twitter e ritorno. L’8 gennaio Libero dedica ampio spazio (almeno cinque facciate, con editoriale di Belpietro) ai «presunti intellettuali» che, come Virzì, fanno la morale con i soldi pubblici insultando la parte «se non migliore, più virtuosa d’Italia».

È a questo punto che il regista dà sfogo alla sua amarezza: «Dopo 25 anni di cinema e undici film mi ero illuso di meritarmi una polemica seria. Volevo essere maltrattato sul contenuto, rispondere a un tema documentato, affrontare una critica oggettiva», e non giustificare il suo lavoro ambientato in una località immaginaria e sostenuto da «un finanziamento pubblico che, come sa chiunque non faccia propaganda, deve essere restituito e può rivelarsi persino un affare per lo Stato che anticipa parte dei soldi».

Soprassediamo sull’assoluta assenza di polemiche sui personaggi furbetti e corrotti alla Cetto Laqualunque, sulla proliferazione di fiction televisive su mafia e mafiosi, perfino sulle macchiette lombarde nei vari Vacanze di Natale. Atteniamoci alle parole, spesso poco ponderate, che hanno animato il dibattito; ricordiamo che Virzì ha voluto «creare un allarme nello spettatore che è poi un allarme sul nostro tempo grazie a una struttura narrativa che lo consentiva», raccontando una storia in cui l’ingordigia di denaro e una morale confusa degenerano fino a incasellare persone e affetti in valori ragionieristicamente predisposti. Un contrasto che Il capitale umano palesa nel suo titolo, che è anche la definizione economica dei parametri legali di valutazione della vita umana.

Metafora, simbolo e contrasto sono solo alcuni dei meccanismi attraverso i quali il reale trova una trasfigurazionenell’opera d’arte – filmica o d’altro tipo. All’opposizione ricchi-poveri, variante della più classica buoni–cattivi, Il capitale umano preferisce una costruzione per geometrie e associazioni, divisa in tre capitoli (tra una breve apertura e un epilogo) che presentano la stessa storia da punti di vista diversi.

La scelta di un libro straniero, di un altrove lontano dalla solarità livornese e della suddivisione in capitoli sono riconducibili a una stessa presa di posizione sulla quale si struttura il film intero. Virzì racconta le sfumature dell’impotenza umana prendendo le distanze dai suoi personaggi, filtrando le vicende per restituirci storie più che giudizi e soprattutto per offrirci la possibilità di uno straniamento, unica via per non fraintendere e pensare «che la Brianza sia davvero un luogo così».

In quest’ottica, la polemica intorno a Il capitale umano lascia emergere la crisi culturale di questo Paese, spesso privato degli strumenti per distinguere tra reale e verosimile; disorientato dal bombardamento mediatico o, ancora peggio, tentato di fare dell’arte una fonte di informazioni incontrovertibili per sopperire a lacune stratificate nel tempo. Quella distinzione è la stessa che divide l’artista dal cronista e il cronista dall’opinionista e ci restituisce uno sguardo pulito, libero dai pregiudizi.

Articolo di Jessica Pompili e Michele Chighizola

Perché sì

di Michele Chighizola

In sala ormai da un paio di settimane, Gravity di Alfonso Cuaròn è ufficialmente il grande film-evento di questo autunno cinematografico. Presentato alla Mostra del Cinema di Venezia sul finire dell’estate, il film, grazie alla sua straordinaria potenza visiva, aveva fatto volare via i riporti e i parrucchini dei grigi critici seduti in sala, che, ancora frastornati, si erano velocemente affrettati a dichiararlo in coro un capolavoro. Dopo gli entusiasmi della Laguna, Gravity è uscito nelle sale di tutto il mondo e ora sta facendo il vero smargiasso a livello di incassi: primo in America, primo in Europa, primo in Italia.

La trama è molto semplice: una missione su Shuttle sta riparando un satellite intorno alla Terra, quando uno sciame di detriti causati dallo scontro di due satelliti russi investe gli astronauti. Si salveranno solo in due: la novellina Ryan (Bullock) e l’astronauta navigato un po’ piacione Kowalski (Clooney). I due sono vivi, ma alla deriva nello spazio. Comincia dunque un’impossibile lotta per la sopravvivenza.

Girato interamente in studio con camera 3D e per il 90% ri-costruito con la computer graphics, Gravity è un’esperienza visiva, almeno al cinema, forse senza precedenti. La telecamera di Cuaròn fluttua intorno e insieme ai due protagonisti per tutti i 90 minuti della pellicola, trascinando lo spettatore dentro un’avventura pura e lineare, tanto semplice quando avvincente che, grazie al 3D, si trasforma in qualcos’altro, una esperienza ai limiti dell’interattività, più simile forse ad un gioco virtuale da Luna Park che ad un film vero e proprio. Come in altri rari esempi ( Avatar, Vita di Pi, Pina 3D, forse Pacific Rim) infatti, in Gravity il 3D non è solo un orpello d’intrattenimento, ma è uno strumento registico funzionale al racconto, in quanto aiuta a dare allo spettatore la profonda sensazione di vuoto che provano i personaggi.

Insomma, qualsiasi film sullo spazio che si rispetti, d’ora in poi, dovrà fare i conti con quanto fatto da Cuaròn con questo Gravity.  E poco importa se alcuni critici hanno stortato il naso di fronte a una trama così elementare e di fronte a un lavoro sui personaggi non esattamente Rohmeriano; Gravity è un esperimento tecnico totalmente riuscito, è puro cinema dello sbigottimento, è un ottovolante cinematografico che coinvolge, diverte, impressiona e lascia lo spettatore soddisfatto e frastornato alla fine della proiezione, proprio come se fosse appena sceso dalle Montagne Russe.

Perché no

Di Jessica Pompili

Era ancora estate quando la testolina mora della Bullock e quella brizzolata di Clooney facevano insieme capolino in Italia, decisi a portarsi a casa un consenso mica da ridere per il loro ultimo film (il primo insieme, nonostante i due siano amici da moltissimo tempo). Oggi, ad autunno avanzato, Gravity, l’ultimo film di Alfonso Cuarón, pensato e sceneggiato assieme al figlio Jonas, tiene ancora duro al botteghino, scalando dal primo al terzo posto in due settimane, per effetto, più che altro, dello tsunami Minion, e della curiosità per Aspirante Vedovo. Ma il risultato pare gratificante comunque.

Giudizi entusiasmanti sono piovuti come detriti impazziti (tanto per restare in tema) dalle penne dei critici più importanti d’oltreoceano, e hanno per buona parte raggiunto e contagiato le opinioni anche qua da noi. E in realtà, se ci si fosse limitati a questo, non ci sarebbe stato nulla di male. Ma di Gravity si è voluto fare qualcosa di più che un buon film, se ne è voluto fare il capolavoro, e invece, questo è bene dirlo subito, Gravity non è un capolavoro. E’ piuttosto un buon film con molti difetti. E di questi forse quello più evidente è la sua netta ripartizione in due blocchi statici e poco comunicanti. La prima parte, avventurosa, accattivante, avvincente e naturalmente catastrofica, è fortemente avvinghiata al 3D, di cui fa un uso sensato e ludico allo stesso tempo, generando un risultato ottimo. La seconda parte, invece, lascia del tutto andare il tema spaziale, trasformandosi progressivamente in una riflessione filosofico-esistenziale sulla vita e la morte. Ed è proprio a questo punto che si apre la crepa che porta fino alla sbrigativa conclusione.

Tanto precisa e accurata la prima parte, tanto affrettata la seconda, che fa leva in apertura sulla famosa scena della Bullock fluttuante nell’aria, dalla posizione eretta a quella fetale (allusione all’imminente rinascita del personaggio). Su questa scena, e su quella finale della riemersione dall’acqua e del difficile ritorno al camminare, grava tutta la metafora dello spazio inteso come nulla, morte, vuoto e buio. Niente di trascendentale e spirituale, nessuna vicinanza a Dio. La morte è annientamento, mentre la terra è vita, è casa, è il posto a cui apparteniamo.

Metafora, di per sé, molto bella e di indubbia efficacia, sviluppata però tremendamente male e in modo decisamente approssimativo per tutta la seconda metà del film. Senza contare, inoltre, che i due blocchi, mal si amalgamano. E che in quell’entrata della Bullock nella navicella, sembra davvero chiudersi un genere, e aprirsene un altro. Il risultato è, insomma, un buon film, che poteva dare di più, molto di più.